今日終於成功地將自己趕出門口，去看藝術家Cj Hendry的倫敦個展「Epilogue」。突然有動力的原因是⋯⋯因為是展期的最後一天，再不去的話就沒有了⋯⋯

短短十日的展覽位於Mile End，一個不算方便的地點，每個session只有15分鐘，等候時間輕鬆超過1小時，而且這個展似乎非常「IG-able」。 一般情況下我對這種展覽是興趣不大，但是我必須說這個是我近期看過最impressive的展覽。原因，在於它很好地運用了「沉浸式體驗」(Immersive experience) 這個概念。

「沉浸式體驗」，喜歡藝術的人對於這個詞彙相信不會陌生。「沉浸式互動劇場」、「沉浸式NFT藝術展」、「沉浸式數字體驗展」，每年總有幾個用immersive做賣點的展覽。而它們通常都會以科技元素為主，久而久之，「沉浸」、「科技」、「打卡」好像被畫上了等號。但是當你走入一個「360度投影AR巨型互動裝置藝術空間」裏面的時候，你到底是在「沉」什麼，「浸」什麼？

確實immersive experience對於當代藝術非常重要，但是當代藝術和最早應用immersive這個概念的實驗性劇場不同，在沒有劇情，亦不一定有聲音和道具的幫助，有些作品甚至連語境（context）都曖昧不清的情況之下，如何推動觀眾的感覺(sensation，不同於feeling（感受）或perception（感知）），令觀眾自認為處身於作品之中就成為了最重要的課題。池田亮司（Ryoji Ikeda）的《Spectra III》就是一個極佳的例子 ，一條三個牆面均會反光的隧道，加上天花板裝上一整面強光白色光管，相當刺眼，讓人失去視覺導向，產生一種穿越時空的感覺。我在2019年的威尼斯雙年展感受過一次，確實是一種難以言喻，迷失對空間把握的感覺。

所以在這個主題上，對於科技的迷信我是不理解的。確實有很多藝術家或創作組織，例如TeamLab甚至池田亮司的其他作品都使用非常多的coding、3D動畫、projection mapping、sound engineeing⋯⋯等技術，但是歸根究底，重點是讓展品、空間、藝術家與觀眾的感官互動，創作一個有機（organic）的作品，科技只是必要時使用的工具。可惜的是，常見的卻是那些沉浸式數碼梵高藝術展，故宮沉浸式數碼文物展之流⋯⋯在對於一個概念的曲解上過度使用它的名號，只會令它變成另一個buzzword，就好像Metaverse、NFT、動態清零⋯⋯

說回Cj Hendry的展覽本身，它的概念其實很簡單，一連10日在一個廢棄的教堂內噴灑花瓣形狀的紙片，讓紙片漸漸鋪滿教堂的同時容許觀眾在紙片海中自由活動。這個作品優秀的地方在於觀眾除了置身作品之中，同時亦成為了創作的一部分，你在花瓣海中互動的時候亦為作品不斷地改變型態，成為了這個雕塑/裝置/表演的一部分。同時，無論是噴灑紙片時的聲音、紙片散落時的動態、廢棄教堂這個選址的頹廢感、灰塵的味道、甚至是同時展出的花卉照片組，這些都是令展覽的空間能讓觀眾專注於感受的關鍵。

唯一需要詬病的，是流水式的觀展流程，確實有點掃興。不過在展覽免費入場而且不設門票上限來說，這個批評是有點雞蛋裏挑骨頭的。

Cj Hendry’s Epilogue
Date:
2022.5.12 – 5.22
Venue:
New Testament Church of God, London E3 5AA